1. 10 movimentos musicais que mudaram a história

Por Michael Pilhofer

A dificuldade em reunir uma lista dos dez melhores da música revolucionária ou dos movimentos musicais é que muito do que a civilização ocidental moderna sabe da música revolucionária é muito limitado. A história está cheia de pessoas como o padre espanhol Diego de Landa, que dedicou sua vida à destruição da literatura e da história maia, ou o imperador Jovian, que destruiu todos os textos e partituras não-cristãos da Biblioteca de Antioquia, ou Genghis Khan, famoso por demitiu e destruiu as bibliotecas do Irã e do Iraque.

O seguinte pode ser considerado apenas uma lista parcial de algumas das técnicas revolucionárias que mudaram a música em geral, bem como algumas das músicas revolucionárias que mudaram o mundo.

800 DC - Inglaterra, canto gregoriano

O canto gregoriano pode não parecer uma forma revolucionária de música, pois sua história e seu uso estão quase inextricavelmente ligados à Igreja Católica Romana - ele até recebeu o nome do papa Gregório I, que é creditado por popularizar a forma. No entanto, como a música era uma parte tão importante dos cultos da Igreja, e grande parte da civilização ocidental foi influenciada pelo que foi e não foi permitido pela Igreja primitiva, faz sentido que o advento dela seja um ponto de partida para muitas inovações musicais. e revoluções.

Música gregoriana

Nos tempos em que todo o entretenimento era ao vivo, uma das muitas razões pelas quais muitas pessoas compareciam aos cultos da Igreja era o valor do entretenimento - muito trabalho e dinheiro foram investidos na construção de igrejas medievais, resultando em enormes e belos edifícios com incríveis acústica para performances de coral. No século 9, o papa Gregório I começou a reunir hinos de igrejas menores do país e escolheu o melhor para ser usado nos cultos convencionais de toda a Europa. Como os instrumentos musicais não eram permitidos na Igreja na época, todos os hinos coletados eram executados a capela, geralmente por um coral masculino. Embora a maioria dos teóricos da música conteste a noção de que o papa Gregório I inventou o canto gregoriano, é bem entendido que o homem era um verdadeiro amante da música e dedicou a maior parte de sua vida a procurar, coletar e apresentar música para as massas.

A característica definidora do canto gregoriano é que ele é executado a cappella monofônico. Na música monofônica, uma única linha musical é executada por uma ou várias vozes, sem harmonia contrastante. Quanto mais vozes você monta em uma monofonia, mais alta é a música resultante e, quando você usa cantores com vários tons, essa única linha ganha grande profundidade e ressonância. Em resumo, é perfeitamente adequado para a acústica de um grande interior oco de uma catedral gótica.

O canto gregoriano foi promovido agressivamente pela Igreja, e especialmente pelo Sacro Imperador Romano Carlos Magno, que aparentemente era um grande fã do estilo, exigia que o clero fizesse apenas cantos gregorianos em seus cultos sob pena de morte. Quando o Papa Estevão V chegou ao poder em 885 d.C., o canto gregoriano havia se espalhado por toda a Inglaterra, Alemanha, Escandinávia, Islândia, Finlândia e terras católicas orientais da Polônia, Morávia e Eslováquia.

Um dos efeitos colaterais mais importantes da reunião de hinos dessas pequenas igrejas do país foi a constatação de que não havia uma maneira padronizada de escrever músicas; portanto, todas as músicas, a fim de preservá-las para a posteridade, precisavam ser gravadas usando algum tipo de sistema universal. Eventualmente, esses experimentos com transcrição de música levaram à invenção do solfege do bispo Guido D'Arezzo, que foi o primeiro sistema de notação musical universalmente usado (e entendido) na Europa pós-Império Romano.

1100 DC - Organum / polifonia europeia

Pouco tempo depois da invenção e da rápida disseminação do solfege, tornou-se possível para os compositores - ainda principalmente membros de elite da Igreja Católica Romana - começar a adicionar pequenos floreios harmônicos à linha melódica do canto gregoriano. Porque, embora tenha sido inteiramente possível que as pessoas cantem esses toques harmônicos por conta própria, a maioria dos cantores que seguem uma partitura não faz isso, e quando esses cantores fazem parte de um coro da igreja do século 12, eles certamente fazem não adicione esses floreios por conta própria. Esses floreios são chamados organum, ou polifonia, que significa apenas uma peça musical com mais de uma parte de canto - especificamente melodia e harmonia. Alguns dos primeiros experimentos com organum transcrito foram escritos pelo próprio Guido D'Arezzo, que mostra como ele estava confiante em seu novo sistema de transcrição universal de música.

Vários tipos de organum foram usados ​​na polifonia européia inicial. Há organum paralelo, no qual as mesmas notas são cantadas por todos os membros do coro, mas são expressas em oitavas diferentes. No organum livre, as vozes superior (mais alta) e inferior (mais baixa) do coro podem variar como eles mantêm uma nota, com a seção central forte do coro carregando a melodia. No organum melismático de Notre Dame, a voz de fundo pode variar da melodia tanto no tom quanto no ritmo, enquanto no organum melismático de St. Martial, essas variações são expressas na voz de topo.

Tomadas no contexto da música moderna, estes não parecem grandes saltos no estilo de composição, mas o fato de que esses pequenos floreios poderiam agora ser escritos em uma partitura para que outros coros se reproduzissem quase perfeitamente era provavelmente um grande incentivo para compositores apresentarem músicas mais interessantes e complicadas. Também é apropriado que, na mesma época em que D'Arezzo apresentou seu sistema de solfege, os vitrais tivessem sido aperfeiçoados e a Igreja começou a instalar enormes vitrais em suas catedrais, tornando a visita à igreja de sua vizinhança um evento visual e auditivo.

1649 - Inglaterra, os Diggers

Os Diggers começaram como um grupo de quinze agricultores protestantes e proprietários de terras que decidiram formar sua própria comuna e se isolar do resto da Inglaterra, especificamente do poder da monarquia e da Igreja da Inglaterra. Fundados pelo ativista Quaker Gerrard Winstanley, os Diggers (ou True Levellers, como também são chamados às vezes) acreditavam na igualdade econômica e em um estrito nivelamento da ordem social. Eles são considerados a primeira comunidade socialista / anarquista européia pós-Império Romano e, embora fossem uma comunidade relativamente pequena de fazendas pertencentes a grupos espalhadas por toda a Inglaterra, o impacto de suas idéias e principalmente da música durou séculos mais do que eles fez.

Em 1649, os Diggers começaram hortas em terras comuns em Surrey e publicaram anúncios na área anunciando carne, bebida e roupas de graça para quem quisesse ingressar em sua comuna e ajudar a trabalhar na terra comum. Sua intenção era conseguir cidadãos suficientes para se juntar aos Diggers e contribuir com seus pequenos lotes de terra para que toda a área se tornasse propriedade comunitária de propriedade privada. Como a propriedade era igual ao poder, isso tornaria os Diggers um poderoso influenciador político, de modo que as autoridades locais intervieram e expulsaram os Diggers de Surrey. Nos dois anos seguintes, comunidades Digger menores apareceram em outras partes da Inglaterra, mas em 1651 o movimento acabou, em grande parte devido à interferência do governo. Se foi, mas não foi esquecido - mais de 300 anos depois, uma ramificação da Tropa Mime de São Francisco, que se autodenominava Diggers, montou acampamento no Golden Gate Park e distribuiu comida de graça, roupas de graça e pregou aos transeuntes sobre socialismo, anarquia e alegrias de viver um estilo de vida agrário.

Um dos legados surpreendentes dos Diggers de vida curta é o hino de protesto, composto por Winstanley, chamado “Canção dos Diggers”. Esse hino foi transportado pelos Quakers para o Novo Mundo, onde foi adotado pelos Amish, Menonitas e outros. grupos religiosos agrários e, mais tarde, movimentos trabalhistas nos EUA, no Reino Unido e na União Soviética. O cantor inglês Leon Rosselson gravou o hino sob o título “You Noble Diggers All”, enquanto a banda pop Chumbawamba o incluiu em seu lançamento em 1988, English Rebel Songs 1381-1914.

Século XVII: Itália, ópera

Embora a ópera de hoje seja apresentada como algo mais apreciado pelos consumidores de música de elite, quando apareceu pela primeira vez no palco, era para todos. Assim como os gregos antigos tinham o seu teatro, os romanos o seu coliseu, e a Inglaterra elisabetana teve suas peças, os italianos do século XVII tiveram sua ópera. Embora a maioria das apresentações de ópera tenha sido inicialmente revelada nas casas de seus clientes - como a primeira ópera italiana reconhecida, Daphne, que foi exibida em particular em 1598 na propriedade do compositor Jacopo Corsi - após a primeira apresentação, você podia ver e ouvir o mesmo ópera repetidamente realizada em espaços por toda a Itália. Os marionetistas costumavam basear seus atos em óperas populares, encenando o show ao vivo em miniatura para o deleite de crianças e adultos. A única qualidade que define a ópera não são os figurinos, o cenário ou a qualidade dos cantores - é que toda a performance é cantada e, se houver alguma parte significativa da fala em uma performance, a produção é considerada teatro musical.

Embora a ópera tenha sido destinada ao consumo popular, isso não significa que os inventores da ópera, especificamente a ópera italiana, não tiveram aspirações incrivelmente elevadas por suas composições. O objetivo original da ópera italiana era combinar poesia complexa com música igualmente complexa com o objetivo de transmitir uma trama, de modo que você terminasse com uma síntese de todos os gêneros populares de entretenimento. Dessa forma, a ópera realmente deveria ser para todos - fãs de boa música, fãs de boa literatura e fãs de belos cenários e figurinos. Também não há regras sobre que tipo de música está na ópera, e é por isso que sua forma básica sobreviveu por centenas de anos e evoluiu para produzir óperas espetaculares de rock como "Jesus Christ Superstar" e óperas de quadrinhos como "The Mikado ”(E sua adaptação cinematográfica cheia de música lounge,“ The Cool Mikado ”).

1789-1799: A Revolução Francesa

Muitos consideram a Revolução Francesa o nascimento da música de protesto moderna, na qual foram introduzidas canções que poderiam ser facilmente aprendidas e adaptadas para se adequar ao que estava acontecendo. Nomes próprios foram facilmente trocados nessas músicas, bem como eventos específicos e nomes de lugares. Eles fizeram a música de marcha perfeita para multidões de revolucionários.

Talvez a mais famosa dessas músicas seja "La Carmagnole", de 1792, agora considerada a música oficial da Revolução Francesa. O nome do compositor original foi perdido, mas a música, frequentemente acompanhada de dança selvagem, se espalhou como fogo entre as classes camponesas francesas. Durante a Revolução, a música se transformou em um grito de guerra na Batalha de Jemappes em 1792, junto com outra música popular, "La Marseillaise". Nesse mesmo ano, milhares de camponeses invadiram o Palácio das Tulherias de Paris, cantando "La Carmagnole" (“Vá, Louis, bebê chorão / do templo para a torre”) quando eles forçaram Luís XVI e seus companheiros a fugir do palácio.

Desde a revolução, "La Marseillaise" se tornou o hino nacional francês, frequentemente cantado em conjunto com "La Carmagnole".

1913 - Atonal Music e "O Rito da Primavera" de Igor Stravinsky

Música atonal é uma música sem um centro tonal, o que significa simplesmente que não está definida em nenhuma tecla. Arnold Schoenberg, Béla Bartók, Igor Stravinsky e Leon Kirchner são alguns dos compositores mais conhecidos da música clássica atonal, enquanto músicos de jazz como Duke Ellington e Eric Dolphy compuseram muitas peças de jazz gratuitas sem um centro tonal.

No início do século 20, no entanto, o grande público clássico quase não teve contato com composições atonais. Bartók, hoje considerado um influente compositor atonal, era mais conhecido no auge por procurar e reproduzir música folclórica do Leste Europeu, e a maioria de suas composições atonais só era ouvida por pessoas que as procuravam ativamente. Schoenberg era outro compositor atonal considerado altamente influente agora, mas durante o tempo em que foi professor na Segunda Escola de Música de Viena, grande parte de seu trabalho na atonalidade foi considerado mais um exercício acadêmico do que uma tentativa de criar música para as massas. De fato, o objetivo declarado de compor música atonal pela Segunda Escola Vienense era combater uma "crise de tonalidade" percebida na música convencional.

A música atonal vinha fomentando as cenas sombrias da música underground de universidades e galerias há várias décadas quando Igor Stravinsky a desenrolou em um público já abalado pelo advento da Primeira Guerra Mundial na estreia de Paris de 1913 de seu mais conhecido trabalho orquestral, “O Rito da Primavera”. Famosamente, a apresentação resultou em confrontos violentos entre a classe alta que esperava ouvir música bonita e acessível e o grupo “Bohemian” que amava tudo e tudo novo porque odiava muito o status quo.

"A música sempre toca a nota ao lado da que você espera", escreveu um crítico exasperado da noite. O uso incomum de fagotes para a seção de abertura aguçada da melodia também foi repetidamente comentado, assim como os ritmos pulsantes "agressivos" que aparentemente inspiraram o homem sentado diretamente atrás do crítico de música Carl Van Vechten a começar a bater com o tempo no notável cabeça de jornalista. Enquanto as performances seguintes do Rito da Primavera não resultaram em tumultos como a estréia, o público continua alarmado, consternado e fascinado pela composição, incluindo gerações de crianças que sempre igualarão a composição orquestral a dinossauros herbívoros pacíficos aterrorizados por um tiranossauro Rex saqueador em Disney's Fantasia.

1950-1990: América Latina e Península Ibérica, "Nueva Canción" (o Movimento da Nova Canção)

Nueva canción foi um movimento musical que começou quase simultaneamente na Argentina, Chile e Espanha e se espalhou pela península Ibérica na Europa e em toda a América Latina. Suas letras altamente políticas, definidas com qualquer música que fosse tradicional na região específica, refletiam a inquietação dos povos ibéricos sob a ditadura da Espanha de Franco e o autoritarismo de Portugal de Salazar, enquanto na América Latina a nueva canción se concentrava em livrar os últimos vestígios da Europa. colonialismo.

Tanto na Europa como na América Latina, a música estava integralmente ligada à política revolucionária e aos movimentos trabalhistas. Os músicos eram frequentemente presos, "desaparecidos", exilados, torturados e flagrantemente assassinados por várias ditaduras de direita por sua música. A música do compositor chileno Víctor Jara sobreviveu muito a seu compositor - durante o golpe de Pinochet no Chile, Jara foi levado com milhares de outros manifestantes ao estádio do Chile, onde foi torturado e baleado. Sob Pinochet, as novas gravações foram apreendidas e destruídas, e as estações de rádio foram proibidas de tocar a música. Até instrumentos andinos tradicionais foram banidos na tentativa de anular completamente a música nova. Esse período da história chilena é conhecido como apagão cultural - o apagão cultural.

No entanto, como a história mostrou muitas vezes, a intervenção e a supressão políticas nem sempre destroem uma música ou uma ideia. Quarenta anos após a sua primeira gravação, a música da compositora chilena Violeta Para, "Gracias a la Vida" ("Graças à vida") encontrou uma nova vida como hino da Revolução Laranja da Ucrânia, clara do outro lado do planeta. Enquanto isso, o cantor folk argentino Atahualpa Yupanqui deixou de ser um exílio político de sua terra natal em 1931 e foi convidado pelo governo francês a compor uma peça para comemorar o Bicentenário da Revolução Francesa em 1989.

1960s: Movimento dos Direitos Civis dos EUA

Talvez não haja canções de protesto mais familiares para o público nos EUA do que as do Movimento dos Direitos Civis. Provavelmente, porque a maioria das músicas agora consideradas o cânone oficial dos Direitos Civis foi transformada em padrão por alguns dos melhores artistas de blues, jazz e música folclórica do século XX.

Apesar de ter antecedido o próprio Movimento dos Direitos Civis, a música Strange Fruit, de Billie Holiday, é uma canção sobre linchamento, considerada por muitos como a música oficial do movimento. Embora o single tenha sido banido das ondas de rádio na época de seu lançamento em 1939, era uma música tão incrível e poderosa que ainda vendeu mais de um milhão de cópias. Em 1965, Nina Simone gravou sua própria versão poderosa e forte da música, fazendo com que alguns críticos de música a chamassem imediatamente de "A Canção do Século". A peça sombria e sombria de jazz de John Coltrane, "Alabama", foi escrita depois que ele ouviu falar sobre as quatro meninas mortas em um atentado à igreja em Birmingham, Alabama, e podem ser uma das poucas canções de protesto reconhecíveis sem letra.

Por outro lado, outra música que exemplificou o Movimento dos Direitos Civis foi a alegre "People Get Ready", de Curtis Mayfield, que transmitia a mensagem básica de que os bons tempos estavam chegando, então é melhor você se preparar para eles. Também sobre esse tema estava "A Change Is Gonna Come", de Sam Cooke, supostamente inspirado por suas próprias experiências tentando se apresentar em locais exclusivamente brancos por toda a América. Esses sentimentos também ecoam nas letras do hino da contracultura do cantor folk Bob Dylan, "The Times They Are A-Changin '". Mas talvez nenhuma música tenha dito isso melhor, mais alto ou mais ousado do que o ativista social declarado e líder autoproclamado de o movimento afro-americano, James Brown. Brown escreveu "Diga em voz alta, sou negro e tenho orgulho" durante uma viagem ao Vietnã para entreter as tropas - a música se tornou o hino do Movimento dos Direitos Civis através de suas muitas permutações até hoje.

1980: Revolução do Canto na Estônia

Talvez uma das revoluções mais surpreendentes dos últimos anos tenha sido a Revolução do Canto da Estônia, que alcançou seus objetivos de se tornar independente da União Soviética por meios pacíficos, principalmente não-violentos.

Sob a ocupação da Rússia - mais tarde, da União Soviética -, durante séculos, os estonianos foram proibidos de cantar suas canções tradicionais ou mesmo de falar sua língua. No entanto, em vez de deixar sua cultura nativa morrer sob essa ocupação, o povo da Estônia manteve em segredo suas canções, literatura e idioma, até 1869, quando o editor Johann Voldemar Jannsen organizou a primeira celebração da música como parte de um movimento nacional subterrâneo de despertar da Estônia. . Mais de 800 cantores participaram do primeiro festival, e todas as músicas foram cantadas em estoniano.

As autoridades russas não prestaram muita atenção ao festival, possivelmente porque muitas pessoas estavam participando do festival pacífico para que respondessem de alguma maneira que não traria uma publicidade realmente ruim para eles. Um segundo e um terceiro festival foram organizados em poucos anos e, pelo quarto festival em 1891, as mulheres também estavam participando dos coros. Alguns anos depois, centenas de crianças também se juntaram e, até então, não havia nada que alguém pudesse fazer para impedir o povo da Estônia de cantar.

O coro continuou a crescer de forma constante durante a Primeira Guerra Mundial, a Segunda Guerra Mundial, sobrevivendo a várias campanhas de propaganda ferozes e aterrorizantes, dirigidas aos cantores e ao nacionalismo estoniano em geral por Stalin. Apesar das ameaças de prisão e prisão sob a nova URSS, 20.000 a 30.000 cantores por vez apareciam para cantar canções folclóricas da Estônia todos os anos, com o resto do país despejando as feiras para assistir e cantar junto. Levantando a bandeira estoniana proibida sobre eles enquanto cantavam, as performances continuaram pacíficas e não-violentas, mesmo nos piores momentos.

Em 1988, músicos do Tartu Pop Music Festival contribuíram com material original e cantaram as músicas tradicionais proibidas, desencadeando um senso de identidade nacional que viu dezenas de milhares de membros da platéia ligando as mãos e cantando juntos. Os festivais subseqüentes viram políticos de todo o mundo aparecendo para apoiar a causa da Estônia e testemunhar os festivais de canto, especialmente os coros que cresceram para incluir 10% da população da Estônia.

Em 1991, após o Congresso da Estônia e o Soviete Supremo repudiarem formalmente a legislação soviética e declararem a Estônia um estado independente, os tanques soviéticos entraram na república em um esforço para suprimir o movimento nacionalista da Estônia. Os tanques soviéticos miraram especificamente as torres de rádio que estavam transmitindo música estoniana para fortalecer a população, e centenas de estonianos retaliaram formando um escudo humano não-violento ao redor das estações de rádio que os tanques não podiam penetrar sem atrair a ira militar do resto do mundo . Nesse mesmo ano, a nova liderança russa reconheceu formalmente a independência da Estônia e dos outros estados bálticos.

2010-2012: Primavera Árabe

Apesar do fato de que em muitos estados árabes, cantar e dançar é considerado vergonhoso, a música popular, principalmente o hip-hop e o rap, prosperou como um movimento musical underground. Na década de 1990, comunidades árabes fora do Oriente Médio, especialmente na Alemanha e na França, criaram gravadoras especializadas em rap turco, palestino e tunisiano, apresentando artistas que não receberam nenhuma peça de rádio em seus países de origem e eram pouco conhecidos fora de sua base imediata de fãs. O hip-hop e o rap norte-americanos também foram contrabandeados para estados árabes, onde os fãs do gênero contrabando fizeram várias cópias para distribuir aos amigos.

Muito disso mudou com a Primavera Árabe, que começou quando os manifestantes tunisinos derrubaram o presidente Zine El Abidine Ben Ali. Quase da noite para o dia, protestos semelhantes surgiram no Egito, Iêmen e Marrocos, a maioria dos quais foram organizados por jovens, homens e mulheres, que sentiram que não tinham voz em um governo composto por teocratas idosos. Uma das muitas questões levantadas repetidamente foi a de censura à arte, música e cultura juvenil em geral, e como resultado, talvez a impressão mais duradoura que o mundo exterior teve da Primavera Árabe foram as centenas de concertos musicais que surgiram espontaneamente em todo o Oriente Médio. Rappers da Arábia Saudita como Dark2Men se apresentaram em público pela primeira vez sem medo de prisão imediata, assim como El General da Tunísia, El Haqed do Marrocos e DAM da Palestina.

Embora muitos dos objetivos da Primavera Árabe ainda não tenham se concretizado, o que aconteceu é que a música de protesto dos estados árabes alcançou com sucesso os ouvidos da população local e do resto do mundo. Muitas bandas árabes agora têm canais do YouTube atualizados regularmente com novas músicas e vídeos, dando a eles a segurança de ter um público que sabe que existe. A música hip-hop da Primavera Árabe se tornou a voz da resistência, abordando a pobreza, a violência, o uso de drogas e a desigualdade social.